Premieren

Mit der Eye, Lash! kehrt Kat Válastur nach fast acht Jahren seit ihrem letzten Auftritt mit einer Soloarbeit auf die Bühne zurück. In einer Landschaft aus Blumen, Metallfliesen und Wasser werden wir Zeuge, wie sie verschiedene weibliche Archetypen und Personas verkörpert, in ihr Bewegungsgedächtnis eintaucht, um die kaleidoskopische Erfahrung einer Künstlerin in der heutigen Zeit zu erforschen.

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Ausgehend von Interviews mit Protagonisten von 89/90 in Ost und West fragt M. Melzer ob es in den (linken) pol. Kämpfen für einen Neuanfang zwischen der Generation damals und den Menschen die heute für Veränderung eintreten Linien zu finden sind die sie verbindet. Können beide Generationen in einen akustischen Dialog treten? Wo lässt sich anknüpfen? Wie voneinander lernen? Gibt es was zu erben?

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„all we got to do“ ist ein Stück für zwei Tänzer*innen und beschäftigt sich mit krisenhaften Körpern, Umbruch und Neubeginn. Die Tänzer*innen, in deren Körpern die Spuren der Erschütterung eingeschrieben sind, verhandeln grundlegende Fragen von Miteinander neu und es entsteht ein behutsames Portrait von Zweisamkeit, Nähe und Neuanfang.

CHICKS* laden ein zu DEEP DANCING! Welcome, would you like to dance with me? DEEP DANCING ist feministische Flirt- und Konsensschule, queerer Standardtanzkurs, eine Schieb- und Stolperübung, Monogamie-kritisches Verpaarungsritual. Sie ist die inklusive, queerfeministische Zukunftsutopie der Tanzveranstaltung, ein hochexklusives und -sensibles Date mit CHICKS* und ein Engtanz mit dir selbst!

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In der Residenz „GAME OVER_lab ⫸ music, dance and sensors“ arbeiten die Choreografin Mab Cardoso, die Sounddesignerin, DJane und Musikproduzentin Marina Sarno, die Dramaturgin und Performance-Künstlerin Eva-Maria Glitsch und der Medienkünstler und Programmierer Bruno Gola an der technologischen und dramaturgischen Weiterentwicklung von Sensoren, die durch Bewegung Sound generieren.

In der Residenz „GAME OVER_lab ⫸ music, dance and sensors“ arbeiten die Choreografin Mab Cardoso, die Sounddesignerin, DJane und Musikproduzentin Marina Sarno, die Dramaturgin und Performance-Künstlerin Eva-Maria Glitsch und der Medienkünstler und Programmierer Bruno Gola an der technologischen und dramaturgischen Weiterentwicklung von Sensoren, die durch Bewegung Sound generieren.

Zwei Tänzerinnen, eine Sängerin und - ein Publikum. Endlich können wir uns wieder begegnen! Doch wie berühren wir uns nach der Pandemie? Back to normal erscheint angesichts neuer globaler Krisen kaum denkbar. Isolation war gestern. Doch was ist JETZT? Wie können wir durch Interdisziplinarität Brücken bauen, Grenzen überwinden, eine gemeinsame Sprache finden? Wie ist Begegnung möglich - JETZT?

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Die zeitgenössische Inszenierung mit Puppen „Ronja Räubertochter“ ist eine Eigenproduktion der ARTISANEN anlegt für Kinder ab 6 Jahren. Sie widmet sich einer starken Mädchenfigur, die in ihrer Welt sämtliche Regeln durchbricht und für Gerechtigkeit kämpft und somit alte Rollenmodelle in Frage stellt. Hochaktuell, phantasievoll, zeitlos, faszinierend.

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Die Gruppe Immler / Hartung / Mailand / Innenhof stellt sich in "Am Ende Chor" die Frage, welche Rolle der (Theater-)Chor und das chorische Denken in den kapitalistischen Gesellschaften des 21. Jahrhundert spielt. Sich von den zwei Seiten der darstellenden und der bildenden Künste annähernd, präsentieren sie ein interdisziplinäres Format, das sowohl Kunstausstellung als auch Theaterabend ist.

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Mit „What Can I Offer You Today?“ lädt die Künstlerin Rosiris Garrido ein bis drei Zuschauer*innen in die Intimität ihres Studios zu einer von ihnen ausgewählten Performance ein. Ohne Trennung zwischen Bühne und Publikum fordert diese Form von Zeitgenössischem Zirkus einen ungewöhnlichen Austausch ein.

Nach Stationen in Bonn, Berlin und Hamburg soll „BURNING ISSUES - PERFORMING ARTS & EQUALITY“ 2022 in Kooperation mit dem Berliner Theatertreffen und der Akademie der Künste stattfinden. Künstler*innen aller Sparten, Studierende sowie Vertreter*innen aus Politik und Presse sollen sich bei „BURNING ISSUES“ vernetzen und gemeinsam Konzepte für eine gerechtere (Theater-) Welt entwickeln.

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Sehen und vor allem gesehen werden! Der Weg führt nach oben – weiter, immer weiter und scheitern ist keine Option. Kunst muss extrem sein, die Leute wachrütteln und bewegen. Doch was ist der Preis dafür und wie weit würdest du gehen und dein Äußeres dafür verkaufen? Was bleibt übrig von dir als Mensch? Welches Opfer muss man bringen, um am Ende ganz oben zu stehen und ist oben wirklich das Ziel?

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Leicht angestaubte Performerinnen. Müde Gegenstände. Wasserballett auf Stühlen. Eine Stimme aus dem Off. Wenn man es nicht erwartet, haut eine Alleinunterhalterin in die Tasten. Ein Tanztheater über das Warten, von und mit Tim Borner, Fa-Hsuan Chen, Julia Honer, Theresa Hupp, Anaïs Jardin, Martina Kock, Gwendolin Lamping, Oxana Omelchuk, Will Saunders, Stefanie Schwimmbeck und Christina Zajber.

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Little Black Fish Collective besetzen die postmigrantische Lücke. Sie performen generationenübergreifend, divers und inklusiv. Sie fragen: Was kann Theater tun, um die Lebensqualität von Menschen in „Problemkiezen mit Migrationsvordergrund“ zu verbessern? Sie nutzen ihre Stimmen, Körper, Erfahrungen, um sich auszutauschen und herauszufinden, wie wir – postmigrantisch – miteinander leben wollen.

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Moonbreaker 2121 ist ein Live-Musikhörspiel, über ein Musikfestival auf dem Mond. Making-of Passagen wechseln sich ab mit akustischen Simulationen eines Festivalbesuchs im Jahr 2121. Die Musik stammt von 9 zeitgenössischen Komponst*innen. Ergänzt durch eine FullDome-Projektion wird das Stück für die Wiederaufführung an deutschen Planetarien erweitert und inhaltlich und technisch angepasst.

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„#Beautifulgreenfields“ ist ein hybrides, immersives Theaterexperiment, das in einem Greenscreen-Raum die Frage nach unserem veränderten Verhältnis zum Imaginären und Irrationalen im digitalen Zeitalter stellt. Das digitale Publikum nimmt als Co-Creator Einfluss auf die Spielhandlung, das analoge Publikum erlebt den gesamten Schaffensprozess, das Bühnenbild wird live per Computer entworfen.

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Mein Forschungsprojekt macht historisch analog vorhandenes Dokumentationsmaterial mittels augmentierter und virtueller Realität als räumliches Erlebnis erfahrbar. Das räumlich-partizipative Moment kann einen neuartigen Erkenntnisraum für die Zuschauer, sowie Forschung und Studium eröffnen, indem das eigene Verhalten im Raum auf einen responsiven, szenographischen Raum trifft.

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In acht Metern Höhe, kopfüber, nur gehalten von einem flüchtigen Knoten am Fuß, zwischen Himmel und der harten Realität des Bodens, macht sich still und leise die Angst breit. Ein luftartistisches Solo am Vertikal- und Schwungseil mit vielen Worten... ...das sich unterhaltsam, spektakulär und auch ernsthaft gegen den Rechtsruck unserer Gesellschaft wendet.

Das Rechercheprojekt "der letzte Seraphim" beschäftigt sich mit den Themen Konsum, den dadurch produzierten Müll, der Ausbeutung von Menschen untereinander, der Ambivalenz von Überbevölkerung und Aussterben sowie Zerstörung und Neuschöpfung. Als Leitfigur steht Seraphim, der brennende Engel Gottes. Eine Recherche in welcher Tanz, Musik, Fotografie und Gegenständlichkeit zu einem Ganzen verschmilzt

Das Rechercheprojekt "der letzte Seraphim" beschäftigt sich mit den Themen Konsum, den dadurch produzierten Müll, der Ausbeutung von Menschen untereinander, der Ambivalenz von Überbevölkerung und Aussterben sowie Zerstörung und Neuschöpfung. Als Leitfigur steht Seraphim, der brennende Engel Gottes. Eine Recherche in welcher Tanz, Musik, Fotografie und Gegenständlichkeit zu einem Ganzen verschmilzt

TheaterGrueneSosse haben Fragen im Gepäck. Und eine Kamera. Sie fahren los. Auf die Autobahn. Sie suchen Menschen, die unterwegs zu Hause sind, auf den Straßen Europas, an den Raststätten, am Steuer der LKWs. Welche Geschichten erzählen sie? Poetisch aber ohne Pathos erzählt Friederike Schreiber in ihrem Truck auf Schulhöfen und Marktplätzen von unglaublichen Begegnungen und Missverständnissen.

Als mobiles TEAM FÜR STREIKGYMNASTIK untersuchen wir mit euch den Krankenhausalltag von Pfleger*innen und weiteren Personen und klopfen ihn auf Möglichkeitsräume ab. Wo könnte wie anders gehandelt werden um Zeitnot, zu kleinen Teams und Kostendruck die Stirn zu bieten? Wer muss sich dafür mit wem zusammenschließen? Ausgehend von euren Ideen - erproben wir den Wechsel.

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Das Rechercheprojekt "der letzte Seraphim" beschäftigt sich mit den Themen Konsum, den dadurch produzierten Müll, der Ausbeutung von Menschen untereinander, der Ambivalenz von Überbevölkerung und Aussterben sowie Zerstörung und Neuschöpfung. Als Leitfigur steht Seraphim, der brennende Engel Gottes. Eine Recherche in welcher Tanz, Musik, Fotografie und Gegenständlichkeit zu einem Ganzen verschmilzt

„Eirené“ ist eine Auseinandersetzung mit der deutsch-französischen Geschichte und gleichermaßen eine Konfrontation mit dem Thema Rassismus und Diskriminierung. Ein junger, androgyn wirkender Mann – ein Zeitreisender – durchquert Frankreich und Deutschland. Ihm begegnet Ablehnung, aber auch Faszination für „das Fremde“. Das zweisprachige Stück richtet sich insbesondere an ein junges Publikum.

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Trotz der Skandalisierung von Machtmissbrauch am Theater findet noch keine konkrete Aushandlung von anderen, kollektiven Leitungsmodellen statt. Es geht mir darum, den Panels und Lippenbekenntnissen Taten folgen zu lassen, indem gemeinsam neue, antihierarchische Modelle erarbeitet werden, die an größeren und kleineren Theatern umgesetzt werden können. Das Ziel ist ein selbstorganisiertes Theater.

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In The Disturbing Slow Dancing wird ein choreografisches System und eine Palette von Bewegungsqualitäten entwickelt, deren Fokus die Langsamkeit und Intensität der Bewegung ist. In der Residenz wird Morales Bewegungen, Gefühle und Emotionen, die sich bei bestimmten Tanzstilen finden, durch die Veränderung des Bewegungstempos und ausdrucksvolle Gestik in ein gezoomtes Schaufenster transformieren.

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Welche Relevanz hat nonverbale Sprache in der Gesellschaft bzw. in Gesellschaften? Der freie Baile Funk aus den Favelas Brasiliens und das strenge Hofzeremoniell des Buckingham Palace sind zwei choreografische Systeme, die von der Tänzerin Magali Sander Fett gegenüber gestellt werden. TALKING BODIES ist der Versuch, diese nonverbalen Sprachen zu lernen und gesellschaftskritisch zu analysieren.

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»TROTZ DER DINGE« sammelt Berliner Biographien, die von Einsamkeit geprägt sind, sucht nach Darstellungsformen und verbindet sie in einer theatralen Installation mit partizipativen Elementen. Neben den Biographien bilden »Wunschkonzert« von Franz Xaver Kroetz und »Trost der Dinge« von Daniel Miller die Grundlage für diese Auseinandersetzung mit großstädtischer Vereinzelung von PRINZIP GONZO.

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In „Recircling“, einer interdisziplinären Bühnenproduktion, widmet sich das künstlerische Team dem physikalischen Energiebegriff. Vor dem Hintergrund der globalen Erschöpfung von Energieressourcen liegt der Fokus dabei auf sich selbst erneuernden Energien. Wie kann man die Prinzipien der erneuerbaren Energiegewinnung durch die Körper und andere künstlerische Modalitäten erfahrbar machen?

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Der Klimawandel findet statt, das Ausmaß der Katastrophe ist noch beeinflussbar. Da alle Fakten lange klar und eindeutig vor uns liegen, bleibt die Frage nach den Strukturen menschlichen Handelns. Gemeinsam mit Klimaforscher Prof. Mojib Latif macht sich das inklusive Ensemble auf den Weg. Mit zeitgenössischen theatralen Mitteln wird das Publikum an der Entscheidung über unsere Zukunft beteiligt.

Das Gesundheitswesen als System zunehmender Profitorientierung ist das Thema von "Die Krebsmafia - Vor dem Fremden in mir" AT. Die Gegenüberstellung einer Recherche von Journalist O. Schröm zum korrupten Handel mit Krebsmedikamenten, deren Wirksamkeit niemand mehr garantiert, und der Krebstagbücher C. Schlingensiefs als Schilderung der Ängste und Wünsche, Wut und Verzweifelung eines Krebspatienten

These: Wenn wir die Reichen verstehen, verstehen wir uns. Wenn wir den Reichen helfen, helfen wir uns! Wohlstandsprivilegien, Erbe und Umverteilung sind Anlass, um sich künstlerisch in die Welt der Reichen zu begeben und herauszufinden, ob und wie den Reichen zu helfen ist. Das wirvier-Kollektiv forscht interdisziplinär für ein partizipatives Großvorhaben im öffentlichen Raum.

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In „The Patient“ verbinden sich Erinnerungen an Gesänge, Lieder und Klänge vergangener Produktion der BJR Kompanie mit rituellen Elementen und einer halb-improvisierten Klang-Installation, die nur aus und mit den Körpern der Tänzer*innen entsteht. Sie scheinen sich zu einem einzigen Organismus zu verbinden, der gemeinsam harmonisiert oder seine vielförmigen Gliedmaßen als Resonanzkörper benutzt.

Die Freilichtbühne Coesfeld hat für das Jahr 2022 das Abendmusical „Eine Hochzeit zum Verlieben (The Wedding Singer)“ auf dem Spielplan. Das Stück handelt vom Hochzeitssänger Robbie Hart und der Kellnerin Julia Sullivan, die sich auf einer Hochzeitsfeier kennenlernen. Beide scheinen in ihren unglücklichen Beziehungen gefangen zu sein.

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Der in der Schwarzen Community von L.A. geborene Tanzstil Krump ist getanzter Widerstand gegen Rassismus und Diskriminierung, aber auch Ausdruck innerer Konflikte und Widersprüche. In „A Human Race“ treffen fünf internationale Krumper*innen in einem Kreis aus Sand aufeinander. Zur hoch emotionalen Musik „Le Sacre du printemps“ beginnt ein erbitterter Kampf um Freiheit, Teilhabe und Anerkennung.

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Drei Performerinnen begeben sich in drei Solos zwischen Film, Schauspiel, Punkkonzert und Choreographie auf die Spuren von Monika Ertl, der Tochter des Riefenstahl-Kameramanns Hans Ertl, die sich einst in Che Guevaras bolivianischer Befreiungsarmee als politische Attentäterin hervortat. Gibt es etwas wie den gerechten Mord, einen bewaffneten Antifaschismus – in der Vergangenheit und der Gegenwart?

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„Wir sind so frei #1 Fidelio“ ist eine Installation für Trompete, Sound, Tasten, Stimmen und Performer*innen. Ohne Live-Auftritt erklingen die Protagonist*innen der Oper als Gesänge aus dem Jenseits, die der Komponist A. Anissegos in ein Kaleidoskop von Sound, Originalmusiken und Neukomposition verwandelt. Die Aufführung ist an vier aufeinander folgenden Tagen frei begehbar.

Die Circus-Company ANALOG wendet sich mit OPENING 2 gezielt dem Thema Neubeginn zu. Bei der neuen Ensemble-Show geht es aber um mehr, als die Rückkehr von Akrobat*innen und Musiker*innen auf die Bühne: Im offenen Prozess soll die gemeinschaftliche Kreation des “Neuen” im Kollektiv erkundet werden. Im Fokus stehen dabei persönliche Geschichten, die unmittelbaren Austausch mit dem Publikum fördern.

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„DARK WEB“ ist ein experimentelles Multimedia Musiktheater-/ Performance-Projekt. Auf der Bühne sind nur zwei Personen. Sie zeigen etwas sehr Inniges, sehr Persönliches, getragen durch die elektronischen Klänge, ausgedrückt sowohl durch Stimme und Klavier, als auch durch Körperbewegung, welche auf komplexe Weise kombiniert werden.

Ist unsere künstlerische Arbeit relevant? Schauspielerin Anja Jünger und Film- & Theatermacher Martin Kreusch gehen auf doku- fiktionale Erkundungstour- über die Motivation ihrer Arbeit als KünstlerInnen. Im Dialog mit sich selbst und Kolleg*innen soll das eigene Selbstverständnis künstlerischer Arbeit erforscht und hinterfragt werden.

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Ist unsere künstlerische Arbeit relevant? Schauspielerin Anja Jünger und Film- & Theatermacher Martin Kreusch gehen auf doku- fiktionale Erkundungstour- über die Motivation ihrer Arbeit als KünstlerInnen. Im Dialog mit sich selbst und Kolleg*innen soll das eigene Selbstverständnis künstlerischer Arbeit erforscht und hinterfragt werden.

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„Revival of Onil“ – Die Wiederbelebung eines schlummernden Drachens. Nach zweijähriger Zwangspause und Reflexion wird das mobile Stück für den öffentlichen Raum neu konzipiert, um nachhaltige Theaterreisen zu ermöglichen. Die Drachenfüße wollen das Laufen wieder erlernen und handliche Kostüme und Technik sollen an neue Transportweisen angepasst werden.

„mach mir angst! komm näher“ ist ein Cover von Identität. Im Hin und Her eines Doppelblicks von Mutter und Sohn Jahrgang 1970/ 2006 auf Berliner Leben erzählt „mach mir angst!“ deutsche Geschichte im Wechsel der Systeme, und schafft mit Pop-Musik und Propaganda-Video eine nicht-identifikatorische Ich-Erzählung, die Platz für gemeinschaftliche, solidarische Erfahrung bietet.

Die Südwestfälische Freilichtbühne Freudenberg gibt die Regie, für das Kindertheaterstück „Alice im Wunderland“ in der Sommersaison 2022, in professionelle Hände. Dadurch soll die Entwicklung der Schauspieler*innen, ganz besonders der jüngeren Generation, gefördert werden. Ein Kindertheater, das nicht nur für Kinder inszeniert ist, sondern auch von ihnen mitgestaltet wird.

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Ein (Dorf)-Platz verwandelt sich in reges Hafengetümmel. Ein Linienbus mutiert zum Walfangschiff. Mit Metallschrott, Menschen und Musik wird eine Welt auf See erschaffen, die zum mitreisen einlädt und uns in die Abgründe des Menschseins spähen lässt. Moby-Dick neu gedacht und bilderstark bespielt, bis das Spektakel wieder abzieht und die Kühe im Stall mit Gischt im Fell zurücklässt.

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Das Element Wasser steht in vielen Stummfilmen im Mittelpunkt des Geschehens. Bedeutet es vielleicht eine lauernde Gefahr oder ist es der Handlungsort mythischer Zauberwelten? Und wie vertont dies ein Musiker, der dem irdischen Element einen Klang verleihen will? Um herzufinden, ob es für die musikalische Begleitung Stereotype gibt, in Bild und Ton, möchte G. Stephan eine Recherche beginnen

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Die SOZO visions in motion DANCE Co. unter der Leitung von Deborah Smith-Wicke bringt ihre neue Produktion „EPILOGUE - the back side of the moon“ in neue Theaterräume, innen und außen. Das sehr körperliche Tanzstück zum Violinkonzert von Philip Glass spricht das Publikum mit allen Sinnen an und lädt es auf eine Achterbahnfahrt in die Intimität des Backspace ein.

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„ORGANISMO“ ist ein Arbeitsprozess um die implizite und explizite verkörperte Erinnerung daran, wie Gemeinschaft und Kollaboration Individuen zusammenführen und sie als ein Lebewesen mit einem Lebenszweck zusammenarbeiten können. Die Ensemblearbeit um Maraña bringt ein kollektives Momentum mit sich, das einer Kunstinstallation aus Faden und Maschen auf multidimensionale Weise Leben einhaucht.

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Der Tod ist universal. Doch wie mit dem Sterben umgegangen wird, ist individuell und kulturell verschieden. Der Tod wird dennoch meist gefürchtet. Es ist die Angst vor dem Unbekannten, die uns davon abhält, uns mit dem Tod näher auseinanderzusetzen. Maranasati möchte das Thema des Todes auch im Westen enttabuisieren und die Menschen zu einer Auseinandersetzung mit ihrem eigenen Selbst einladen.

Eine merkwürdige Maskenfigur spielt mit den Spaghettihaaren einer Barbie. Wer ist sie, warum ist sie hier und was ist ihre Aufgabe in dieser Welt? Im Rahmen ihrer Residenz sucht Chaudon nach Antworten in der Mythologie, in Geschichten und alten Sagen, forscht mit Teigwaren und deren Zubereitung in außergewöhnlichen Bühnenräumen und hinterfragt die Frauenbilder und Schönheitsideale der Menschheit.

MachtModeMensch? Oder macht Mensch Mode? Was wäre der graue leere Filzanzug ohne die Geschichte von Joseph Beuys? Das Kleine Schwarze ohne die Person Coco Chanel? Oder Hawaii ohne Blumenketten? Die Bedeckung, Bemalung, Verzierung unseres Körpers erzählt Geschichten hinter dem „Kostüm“ und offenbart dessen Bedeutungen. Eine Suche nach dem Innenleben der Mode.

MachtModeMensch? Oder macht Mensch Mode? Was wäre der graue leere Filzanzug ohne die Geschichte von Joseph Beuys? Das Kleine Schwarze ohne die Person Coco Chanel? Oder Hawaii ohne Blumenketten? Die Bedeckung, Bemalung, Verzierung unseres Körpers erzählt Geschichten hinter dem „Kostüm“ und offenbart dessen Bedeutungen. Eine Suche nach dem Innenleben der Mode.

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Non-Fungible-Token auch NFTs genannt, sind ein regelrechtes Hypethema aus der Welt des Internets. Sie ermöglichen es auf technischer Basis den Besitz von digitalen Dateien, in dem sie unfälschbare Eigentumsurkunden auf einer sogenannten Blockchain abspeichern. YRD.Works wollen in ihrer #TakeHeart-Residenz erforschen, welchen Mehrwert die Technologie für die darstellende Kunst bieten könnte.