Premieren

Mit der Tanzperformance „koerper.welle“ laden der Choreograf Clébio Oliveira und sein Team zu einem kollektiven Nachspüren individueller Erfahrungen der Corona-Pandemie ein. Die Körper ringen in apokalyptischen Seelenlandschaften um Halt und konfrontieren die Alptraumhaftigkeit unseres Alltags. Entstanden ist eine surreale Poesie der Bewegung aus Licht und Schatten, aus Körpern und Klang.

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Die Musiktheaterproduktion für Kinder ab fünf Jahren ist eine musikalische Erkundung des Naturschutzgebietes am Hahneberg. Sounds werden aufgenommen und archiviert – die Natur wird zu einer Landschaft aus Klängen. Das Stück wirbt auf spielerische Weise für einen sensiblen Umgang mit der Natur und für ein Selbstverständnis, in dem der Mensch sich selbst als einen Teil der Natur betrachtet.

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When will we meet again? – staging ist die hybride Bühnenversion einer im Januar 2022 gestreamten online-Performance, die als Kollaboration der deutschen Performancegruppe Schmitt&Schulz und der dänischen Künstlergruppe Kassandra Production entstanden ist. Drei Performer*innen treffen sich im online-meeting, um mit der „magischen“ Kraft der Performance die dringendsten Weltprobleme zu lösen.

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Nach der erfolgreichen ARCHIVE TOUR Ende letzten Jahres im E-WERK Luckenwalde nimmt kollektiv:proton & Gäste dieses Format wieder auf und erweitert es zur CAMPUS TOUR, die nun das Industrieareal um das E-WERK miteinbezieht: das ehemalige Stadtbad als Erinnerungs-Parcours, das Sozialkaufhaus als Schutzraum, die versiegelten Industriebrachen. Eine Tour durch einen künftigen Kreativcampus.

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Die Fenster des historischen Amtshauses und Stadtmuseums in Michelstadt werden zum Spielort: Alltägliches Nachbar*innengeplänkel entwickelt sich durch das unerwartete Gesuch eines fremden Herren zu einer spritzig-musikalischen Komödie. Amateurdarsteller*innen erarbeiten das Stück unter Begleitung professioneller Musiker*innen und Regie frei nach Motiven von Carlo Goldoni.

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IMPROTOPIA präsentiert ein Kriminalstück aus dem Mittelalter auf der Burg Lichteneck. Interaktives Theater mit historischen Hintergründen, gepaart mit einer spannenden Geschichte und einem Festmahl für die Gäst*innen. Lassen Sie sich in die Zeit der Hexenverfolgung, kirchlicher Intrigen und romantischer Liebesgeschichten entführen.

How to combine the noise created from inside our bodies with the aesthetic beauty and technique created by the shapes and repetitions of classical Ballet? how is our gut or second brain connected to our psyche? Viscerale Crescendo is a synthesis of the movements of the intestine, observing the shape, the motion, the sound of this complex and intricate organ.

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Die Wiederaufnahme der Inszenierung "Wir treffen uns im Paradies" ist notwendig, um Szenen mit ausgeprägt partizipativen Ansatz, mit Blick auf die jetzige Situation, neu zu inszenieren, gemeinsam mit den Schauspieler:innen und dem Laienensemble. Die letzten Aufführungen liegen zudem 4 Jahre zurück, sodass Wiederaufnahmeproben erforderlich sind. Dadurch werden Gastspiele im 2022 möglich gemacht.

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„1000 Plateaus“ ist der Versuch, dem alltäglichen Phänomen der Abschottung von Lebenswelten etwas entgegenzusetzen. Dazu begegnen sich Menschen aus unterschiedlichen Milieus, die sonst wenig Überschneidungspunkte haben. Der Austauschprozess gipfelt in einem Videowalk via Telegram, in dem sich die Performer*innen jeweils gegenseitig doubeln und somit die Lebenswelt der anderen nachstellen.

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„Sahnetorte & Weltfrieden“ dekonstruiert die Spielweisen des Clowns und erarbeitet zeitgemäße Darstellungsformen einer meist in klassischen Rhetoriken verhafteten Figur. Klassische Gags werden dekomponiert, ihr choreografisches und dramaturgisches Potential wird genutzt und das Zeitgenössische Zirkus-Vokabular wird erweitert. Ergebnisse werden beim diesjährigen Bauhausfest in Dessau gezeigt.

In einer Arabisch-Deutschen Koproduktion, gefördert in der Prozessförderung 2021, erarbeitete ein arabisch-deutsches Team die alle Sinne ansprechende Inszenierung eines Textes von Wihad Suleiman: Existenz. Nun gibt es zwei weitere Prozesse in Verbindung mit Aufführungen der Performance: eine gezielte Kontextarbeit in Thüringen beim Kunstfest Weimar und eine Hörfassung für Radioübertragungen

We invite 10 BI*POC artists, cultural workers and producers to take part in a series of interdisciplinary “collective (un)learning spaces”. We want to create an empowering space for marginalized artists in which we can challenge eurocentric forms of knowledge and artistic production.

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Wäre Ulrike Meinhof nicht tot, hätte sie bestimmt viele Follower. „lieber wütend als depressed“ versucht, im Spiegel der Vergangenheit die Überforderung heute zu sehen. Das Stück unterzieht linken Aktivismus einer Prüfung, indem es ihn mit der Radikalität der RAF vergleicht. Durch fünf Räume des Damals und des Heute wandeln die Zuschauer*innen. Sie entscheiden: Revolution oder Resignation?

Erforscht wird die jüdische Familiengeschichte des Ensemblemitglieds L. Pietjou. Ihr Ur-Großvater wurde in Auschwitz ermordet, die Großmutter überlebte in einem Versteck. Wie setzt sich das im Holocaust erlittene Trauma transgenerational fort und wie bestimmt die Vergangenheit das eigene Sein? ANALOG spannt den Bogen von persönlichen Berichten hin zu einer Untersuchung von Identität und Historie.

“TRAINS>>>FORM“ is an open public research project which uses acrobatic choreography to bring new perspective to how we look at public transport. It is about engaging the imagination of the German public as we begin to build our lifestyles back after the pandemic and aims to inspire a different way of envisioning how we can travel in better harmony with our environment and common person.

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„Würde und Liebe“ ist eine autobiografische Solo-Performance über die häusliche Altenpflege. Für Deutschland und Japan, eine fortschreitend alternde Gesellschaft, ist die Altenpflege ein allgemein relevantes Thema. Eine zeitgenössische Butoh-Tänzerin versucht mit einem lebensgroßen Objekt, die Realität und die Utopie des Lebens mit Pflegebedürftigen darzustellen.

“Are you flirting with me?” Wie wollen wir flirten? In einem Theaterabend wird das Flirten neu erfunden: Feministisch, zärtlich und mit jeder Menge Spaß. Traditionelle Geschlechterrollen werden über Bord geworfen, eingetaucht wird in post-patriarchale Flirt-Utopien. Lasst uns das Flirten zelebrieren!

Digi play Dance ist von dem Liedtext „Ziggy Stardust“ von David Bowie inspiriert. Wird die neue digitale Technologie ein Messias für darstellende Künstler*innen? Oder entsteht ein unbeherrschbares Chaos, das die darstellenden Künste zerstören wird. Ohne es zu probieren und damit zu spielen, werden wir es auch nie erfahren. Dann machen wir es wie „Ziggy play Guitar“, aber „Digi play Dance“.

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Wir verknüpfen das Kulturerbe des antiken Chores mit der Bespielung eines anderen Kulturerbes, das in besonderer Weise von Corona betroffen ist: Einzelhandel, Clubs, Galerien und Kaufhäuser. DIE RASENDEN ist ein Performancerundgang, der das Publikum an verschiedene Orte führt. Angeleitet vom Novoflot-Webradio verbinden wir dies mit Uraufführungen von H. Chisholm, A. Kühne und A. Anissegos.

„untitled (hip piece)“ stellt die Hüfte ins Zentrum einer tänzerisch-choreographischen Recherche und setzt sich mit der traditionellen und bei aller Reflexion im zeitgenössischen Tanz kulturell wirkmächtigen, für den europäischen Menschen vermeintlich so großen Fremdheit des Hüftschwungs und der Zuschreibung eines unverstellteren, primitiveren Tanzens an den exotischen Anderen auseinander.

Die menschliche Gesellschaft hat sich in den letzten Jahrhunderten stark verändert und der Prozess der Modernisierung hat das Leben jedes Einzelnen tiefgreifend beeinflusst. Es gibt sehr unterschiedliche Meinungen darüber, ob wir heute und in Zukunft besser leben als früher. Aber auch in einer zukünftigen Welt, bleibt die Frage: Was macht uns Menschen zu Menschen?

Das Ensemble begibt sich auf eine „recherche de la musique perdue" der vergessenen Komponistin Francesca Caccini und spielt sich uns aus der Gegenwart in die erstaunliche Entstehungsgeschichte ihrer Oper im Medici-Matriarchat des Jahres 1625. Barocke Monodien und Cembalo treffen auf Hip Hop und Loopstation. Es entsteht ein Musiktheater-Laboratorium der sozialen (Gleichberechtigungs-)Fantasie.

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KRONPRINZEN (AT) widmet sich landwirtschaftlichen und handwerklichen Familienbetrieben an der Westküste Schleswig-Holsteins. Welche Rolle spielen Tradition, Verantwortung und Eigentum? Wie steht es um das Verhältnis von Freiheit und Zwang, von Selbst- und Fremdbestimmung? Welche Macht übt das Patriarchat aus? Wer ist eigentlich Teil der Familie? Es entsteht ein Interviewbasiertes Stationentheater.

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Lange tabuisiert und doch hart erkämpft. Es lebe die weibliche Masturbation und der Orgasmus. Doch was passiert, wenn es außer Kontrolle gerät, zur Sucht wird? Überfordert, gestresst, unruhig, gesteuert. Wie den Druck ablassen? Das Ventil der Wahl: Masturbation. Willkommen bei den Anonymen Orgasmikerinnen. Was ist Ihr Ventil?

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Das Tanzstück „commonnorm“(AT) schafft Illusionen und verleitet das Publikum, Vorstellungen von Normalität zu hinterfragen. Wir experimentieren mit optischen Täuschungen, delikaten Körperlichkeiten und dynamischen Bühnen- und Klangräumen. Die Durchschnittlichkeit wird zum Ausgangspunkt der Choreografie, von hier aus geht es auf eine Entdeckungsreise zu den Ambivalenzen im Leben und in der Kunst.

Mit der „ZOMBIE ARTokalypse“ gehen die Künstlerinnen Stefanie Oberhoff und Rebecca Rutter von einem Spannungsfeld zwischen Kunst und Menschen einer Region aus und nutzen dieses, um eine eigenständige Figurentheater-Performance im öffentlichen Raum zu entwickeln. Mit dem Ziel ausgehend von einer konkreten Fragestellung universelle Themen aufzuwerfen und zu verhandeln.

„Zusammen!“ - Ein musikalisches Frischlufttheater für Kinder ab 1 Jahr und ihre Begleitung. Die Produktion ist eine vielseitig einsetzbare Inszenierung (ganzjährig & pandemie-tauglich spielbar). Draußen, Drinnen, KiTa oder Wiese: Wir bringen das Theater zu den Menschen vor Ort. Spielerisch und innovativ machen wir unserem Publikum mit dem Thema Freundschaft Angebote für ein gelungenes Miteinander.

Das Kollektiv Hood of Sisters arbeitet an einer Analyse der eigenen femininen Position, im politischen wie räumlichen Sinne, innerhalb der urbanen Szene NRWs. Die Exploration der “Cypher” als Nullpunkt der Begegnung, Verschmelzung von Formen und Dynamiken, Reflektion von Genderpraktiken und Dominanzkulturen, dient hierbei als primäres Instrument.

Wie sehr muss die Natur durch den Körper gehen, damit der Mensch spürt, dass er nur ein Teil von ihr ist? Diese Leitfrage steht zu Beginn des Probenprozess von "Im Wald//und alle tiere rufen: dieser titel rettet die welt auch nicht mehr (monkey gone to heaven)". Das inklusive Ensemble des Klabauter-Theater spürt gemeinsam mit Vasna Aguilar der Verbindung zwischen Körper und Natur nach.

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Das Theater Fata Morgana plant die Premiere seines Kindertheaterstücks "Das Gold des Hasen" [6+] nach dem gleichnamigen Bilderbuch v. Martin Baltscheit u. Christine Schwarz: "Der Hase ist gestorben und hinterlässt ein Testament: Der größte Angsthase im Wald soll eine Truhe voller Gold erben. Sofort stürzen sich alle Tiere in einen Wettbewerb und übertrumpfen sich gegenseitig mit ihren Ängsten."

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„Die Kontakt-Expedition“ von F. Kruis und N. Witty ist eine theatrale Science-Fiction-Ortsbegehung auf neuen Wegen. Von Stuttgart bis Stralsund. Ein Astronaut mit der Audio-Live-Elektronik „Kontakt“ lädt zur Erkundung mit Funkkopfhörern ein, mit denen Stein gewordenes Denken erschüttert und hörbar werden. Scheinbar vertraute Umgebungen wirken wie ein fremder Planet – eine Entdeckungsreise.

SOLID LIQUID untersucht verschiedene Aspekte von Flüssigkeit auf politischer und materieller Ebene. In einem durch nur wenige Liter Wasser veränderten, haltlosen Raum werden Fragen rund um Agency, Macht und Kontrolle und danach, wie diese zurückerobert werden können, gestellt. Die Wiederaufnahme findet im Rahmen des FAVORITEN Festivals 2022 mit zwei Gastspielen in Dortmund statt.

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Es juckt, es zwickt, aber es muss sein. Vier Tänzer*innen und ein Sounddesigner tauchen in das Gefühl des Unwohlseins ein. Dabei laden sie ein, unsere eigenen Gefühle sowie die aktive Rolle als Zuschauer*in zu reflektieren, und individuelles Unwohlsein kollektiv zu erleben. collectif blitzbereit erforscht, wie sich Performende und Publikum in ihrem Unwohlsein beeinflussen.

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„AYRTH?“ ist Entwicklungsprozess für ein immersives, interaktives Format für Menschen, die sich als Frauen identifizieren. Auf der Suche nach einem neuen Mythos für Frauen* des 21. Jhd. begegnen sich Kunstschaffende und Teilnehmende, um eine weniger Anatomie-fokussierte Bildsprache zu finden, um Weiblichkeit zu symbolisieren und im spielerischen Miteinander neue Narrative der Heilung zu erkunden.

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2032. Ein Open-World-Gametheater Szenario über Erzählungen von Menschen, Maschinen und einer besseren Welt. Eine Geisterbahnfahrt der Ideen von 1900 und der Lebensreformbewegung über die Hippie Bewegung der 60er Jahre bis zur Techno-Religion des Transhumanismus und dem Traum von der Gott Maschine und der Unsterblichkeit des optimierten Menschen heute.

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Menschen über 30 kennen oft nicht einmal ihre Namen, für Jüngere sind sie dagegen Topstars. Influencer*innen filmen sich beim Schminken, auf Reisen, beim Sport. Ihre Follower bilden Communitys mit ganz eigener Sozialdynamik. Sie kümmern sich um ihre Community, denn sie brauchen sie verdammt dringend! Im Projekt setzen sich Jugendliche spielerisch mit dem Social Media Phänomen auseinander.

Pandora Pop nimmt seinen 2021 uraufgeführten Audio-Walk durch den Wald „The Woid“ wieder auf. Aus dem oberbayerischen Wessobrunn geht es dazu in den brandenburgischen Hohen Fläming. Die natürlichen und kulturellen Gegebenheiten der neuen Region werden inhaltlich eingebaut und erweitern das Spektrum des vorhandenen Audio-Walks durch den Wald, der auch in Zukunft noch wachsen und wachsen darf.

Die Schwankhalle Bremen trifft in einem partizipativ angelegten Projekt auf benachbarte Trompeter*innen, Hobbysegler*innen, Posaunist*innen, Senior*innen, Kanuclub und Bootsverein und entwickelt gemeinsam mit ihnen ein Bootsballett mit Blechmusik, das auf dem unmittelbar bei der Schwankhalle gelegenen Werdersee als Eröffnungsspektakel im Sept 2022 uraufgeführt wird.

In „The Art of Protest (Beginners) - Formatentwicklung“ sollen gemeinsam mit Menschen im Rhein-Main-Gebiet Formen des gewaltfreien, öffentlichen Protests künstlerisch konzipiert und erprobt werden. Dabei wird eine Übertragung von Praktiken aus dem Theater- und Performancebereich auf das Feld des Protests verhandelt, um gemeinsam einen lustvollen und kreativen Umgang mit Protest zu kultivieren.

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Die Affäre zwischen Monica Lewinksy und Bill Clinton, das Nipplegate um Janet Jackson, die Vergewaltigungsvorwürfe von GNTM-Kandidatin Gina-Lisa Lohfink: Was haben diese Vorfälle gemeinsam und wie wurden sie im kollektiven Gedächtnis gespeichert? Konnective setzen sich unter hohem körperlichen Einsatz mit diesen Fällen öffentlicher Beschämung und der Geschichte von weiblicher Scham auseinander.

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Die Amazonen stehen als mythologische Figuren für eine Macht der Frauen, für das Matriarchat, für Krieger*innen, wagemutige Reiter*innen, Künstler*innen an Pfeil und Bogen, für Freiheit und Unabhängigkeit. In „AMAZON RISING“ werden Heinrich Horwitz und thems Partner in Crime einen neuen Mythos erschaffen. „AMAZON RISING“ ist ein zeremonieller Umzug für die Revolution und AMAZONEN der Zukunft.

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Ways of being together möchte Improvisationstechniken, sowie den informellen Austausch unter darstellenden Künstler*innen in Bezug auf Improvisation in den Mittelpunkt stellen. Neben einer persönlichen Weiterbildung in diesem Bereich sollen Austauschtreffen, sowie eine öffentliche Performanceplattform gestaltet werden, die sich im Anschluss kontinuierlich weiterentwickeln darf.

Zehn Tänzerinnen treffen sich, um einen Tanz zum „Re-Rooting“ des Selbst zu kreieren. „Re-Rooting“ wird ein Prozess sein, bei dem Performativitäten geschaffen werden, die all dies verkörpern, und Raum schaffen, um marginalisierte, exotisierte und ausgeschlossene Tanzformen neu zu untersuchen, die eine starke politische Botschaft auf die Tanzbühne in Deutschland tragen können.

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Tomoko Nakasato & Ectoplastic UG / BIEST / Schneider TM u.a. - Recherche für eine interaktive und interdisziplinäre Installations-Tanz-Performance mit Techniken der Klangerzeugung durch Bewegungssensoren im virtuellen Raum in Kombination mit modularen Kleidungskonzepten.

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Aufbauend auf die sechsteilige Workshopreihe und Desktopshow „FACE“ wollen wir (Echo Can Luo, Sarah Ama Duah, Teresa Schönherr) im Rahmen der Residenz emanzipatorische, tech-positive, queere und feministische Potentiale einer zunehmend technisierten Körperlesekunde ästhetisch, inhaltlich und transdisziplinär untersuchen.

Mit Hilfe des Stipendiums möchte ich mich mit dem Buch "Zeitbewusstheit. Geologisches Denken und wie es helfen könnte, die Welt zu retten" von Marcia Bjornerud auseinander, und versuche die momentane Krise in der Erdgeschichte unter anderen Parametern zu beleuchten, Querverbindungen zwischen Wissenschaft und Kunst herstellen und die anthropozentrische Weltsicht in Frage stellen.

Mit "Luise Greger, eine pommersche Gans" explorieren wir die Lebensgeschichte der in Greifswald vergessenen Komponistin. Halb stolz, halb naiv bezeichnet sie sich am Ende ihres Lebens selbst als Gans und wird damit zur Allegorie einer ganzen Epoche deutscher Geschichte. In Tagen, in denen der Krieg nach Europa zurückkehrt, müssen wir mit Entsetzen feststellen, dass diese Epoche nicht beendet ist.

LILA LIED ist eine multimediale queere Cabaret-Show. Ausgehend von Mischa Spolianskys gleichnamigen Chanson von 1920, das zur Hymne der ersten Homosexuellen-Bewegung der Welt wurde, werden mit elektronischer Musik, Drag und Burlesque die Biographien vergessener queer-feministischer Künstler:innen der Weimarer Republik wiederbelebt und Brücken zu heutigen emanzipatorischen Bewegungen geschlagen.

Es ist uns ein Bedürfnis den Raum zu befragen. Nach seiner Wirkung auf den Körper, nach seiner Gestalt und nach seiner Poesie. Was kann ein leerer Raum erzählen? Wie verorten wir unsere Erfahrungen? Das Spiel verschiedener Räume bildet den Rhythmus der Performance und stellt das Entstehen in den Vordergrund. Ein fragiler Prozess, der Authentizität, dem Raum geben werden soll.

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Aufbauend auf die sechsteilige Workshopreihe und Desktopshow „FACE“ wollen wir (Echo Can Luo, Sarah Ama Duah, Teresa Schönherr) im Rahmen der Residenz emanzipatorische, tech-positive, queere und feministische Potentiale einer zunehmend technisierten Körperlesekunde ästhetisch, inhaltlich und transdisziplinär untersuchen.

Eine unerwartete Konstellation für einen einzigartigen Trialog? Eins bleibt jedoch gewiss: Bachs Cellosuiten sind wie ein barockes Gebäude, ein architektonisches Kunstwerk mit klassizistischen Strukturen: Auch wenn man es auf den Kopf stellt, steht es immer noch. Mit dem Grundsatz „Musik ist gleich Bewegung, ist gleich Geräusch“ stellt sich die Frage: Wie wäre Bach als Performancekünstler heute?

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„Das Gipfeltreffen“ ist eine audio-installative Erzählung bei der sieben versteinerte Gött*innen in der Feldberger Seenlandschaft zu einem Summit zusammenkommen, um Klimagerechtigkeit voranzubringen. Durch Programmierung, Sound und Farben geraten die Steine in Bewegung und beginnen zu sprechen. Aus ihren Reden entfalten sich humorvolle Gegenangebote zur grassierenden Weltuntergangsstimmung

„AUFGELÖST“ ist eine mehrstündige Solo-Performance und Installation im öffentlichen Raum. „AUFGELÖST“ bringt in einer Verflechtung von Realität und Fiktion das private und äußerst tabubehaftete Thema Tod in die Öffentlichkeit. Das Projekt nimmt die finale Auflösung eines Haushalts nach dem Tod eines Menschen zum Anlass, die Themen Auflösung, Vergänglichkeit, Neubeginn performativ zu reflektieren.

Kannst du schwimmen oder gehst du baden? Im Freibad Hildesheim steht Tschechows Figuren in KIRSCHGARTEN ZU VERKAUFEN das Wasser bis zum Hals. Trotzdem ignorieren die Gestalten aus dem Theaterkanon ihre Situation, sie waten durch ihre versinkende Welt, hängen Illusionen und Privilegien nach, bis es zu spät ist. Macht Not erfinderisch, oder tauchen wir angesichts drängender Entscheidungen lieber ab?

Was Oliver Bukowski in „Der Sohn“ verhandelt, geht weit über die Region der Lausitz hinaus. Der hochpolitische Beitrag zur gesellschaftlichen Situation in den Braunkohlegebieten erzählt von Verunsicherung, thematisiert aber auch die Hoffnung der Menschen. Zusammen mit der Live-Band „Trigger Kid and the ending man“ bringt das Bühnenvolk Bautzen die Inszenierung, fernab der Großstädte,auf die Bühne.

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Können wir unsere Zukunft sehend begreifen? Die Daten und Fakten allein mit unserem Sehsinn aufnehmen? Ein Tanzstück über die Herausforderungen unserer Zukunft. Daten und Fakten werden zu Tanz. Tanz wird in Hörbares, Fühlbares, Riech- und Schmeckbares übertragen. Nicht nur für seheingeschränkte Menschen.

„TENNIS“ inszeniert das Theater als Sportarena und befragt verinnerlichte Barrieren aus der Perspektive von „class“ und „dis/ability“. Wie sich eine Arbeitertochter mit schwachen Nerven trotzdem Inklusion verschafft, erforscht Angela Alves & Team mit viel Vorstellungskraft auf dem Tennisplatz, einem Ort der Privilegien und mentalen Stärke, der theatral und tänzerisch ausgeschlachtet wird.

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Gravity Pieces beschäftigt sich mit einer radikalen Dehierarchisierung von lebender und nicht-lebender Materie, Objekten, Klängen, Bewegung und unterschiedlichen Körpern. Im Fokus steht das Zusammenspiel der (Schwer-)Kräfte zwischen menschlichen und nicht-menschlichen Körpern und Verschmutzung als widerständige Form der Choreographie, die die menschliche Ordnung herausfordert.

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Unter der Leitung des Choreografen und Filmemachers Grégory Darcy entsteht auf der Grundlage der Gebärdensprache in Zusammenarbeit mit Tänzer*innen mit und ohne Behinderung eine tanz-theatrale Vorstellung, die sowohl für Hörende als auch Gehörlose verständlich ist, um Brücken zwischen Menschen mit und ohne Behinderung zu bauen. Auch die Komposition der Musik wird hieran angepasst.

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Das Projekt „G´SCHICHTE G´SCHEIT ERZÄHLT“ begibt sich auf die historischen Spuren, welche die Hohe Schule Ingolstadt in 550 Jahren hinterlassen hat. In einer improvisierten Stadtführung, von einem Meilenstein zum nächsten, werden ungeahnte Zusammenhänge erforscht und Anekdoten über interessante Persönlichkeiten erzählt, stets inspiriert durch die Beobachtungen und Rückfragen der Zuschauer*innen.

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Thin Skinnend Moon ist ein Performance-Recherche-Projekt im fortwährenden Prozess. Performance, Tanz, Text, Musik und Bild verbinden sich zu einer (Alp)Traumlandschaft aus Erinnerungen, Erfahrungen und Ängsten. Autofiktional wird von Traumata, Neurodiversität und Einsamkeit erzählt. Monatlich wird das Publikum zu einem Tryout und zu einer Neuformierung der Performance eingeladen. Termine:

Mein Zwillingsbruder Aljoscha Tischkau und ich werden das performative Potential unserer zweier Körper nutzen, um Familiengeschichten neu zu erzählen und mit gängigen Darstellungen zu brechen. Auf der Bühne gehen wir durch eine Vielzahl historischer, mythologischer und pop-kultureller Bilder von Familie und deren medialer Inszenierung ebenso wie durch unsere eigene Biografie und Erfahrungen.

Die Inszenierung "Eins Zwei Drei Vier Eckstein“ entstand 2016 in einem kollektiven Produktionsprozess für eine Spielerin. Sie soll zeitgerecht, dramaturgisch, spielerisch und gestalterisch überarbeit werden. Die Prozesse des Entstehens und der Materialanimation sollen stärker in den Fokus rücken. Ziel sind zwei individualisierte Versionen der Inszenierungsidee für zwei Einzelspielerinnen.

In diesem Projekt wird der Körper zum Ko-Autor des Archivs. Im Zentrum steht ein diasporisches Film-Archiv, welches als performativer Überrest agiert, mit dem Potenzial marginales diasporisches Wissen, und Koloniale Geschichten durch eine Choreografie der Begegnungen wieder aufleben zu lassen. Die Begegnung ist der Moment indem der Körper das Archiv betritt und mit den Archivalien interagiert.

Hilft Hoffnung uns ein andere Zukunft, Zukunftsvisionen zu gestalten, oder blockiert uns Hoffnung und lässt uns in einer Art passiven Warteschleife hängen? Zwischen diesen Polen wird sich das Stück mit 4 Tänzer*innen in einem horizontal geteilten Raum bewegen: in unserer sich im Umbruch befindenden Gesellschaft spielen Hoffnung und auch ihr Umkehrstück Hoffnungslosigkeit eine zentrale Rolle.

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Ein Stück über das Gehen und Vergessen. Traummaschine Inc. bereist mit dem Publikum das Hirn eines vergesslichen Kapitäns und folgt ihm auf seiner Suche nach Bach und Boot durch den Altonaer Volkspark. Es erscheinen Bilder eines Lebens: verlorenes Spielzeugboot, Job auf der Werft, Streit mit der Tochter und der Ort selber erzählt eine Geschichte. Am Ende geht der Kapitän noch mal auf große Fahrt.

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In dem neue Projekt "Anziehungskräfte" von Şermola Performans möchte Autor und Regisseur Mirza Metin die Möglichkeiten von Körper und Stimme auslotet, er sieht Theater als rituelle Form und fragt, wie sich biographische oder mythologische Geschichten in eine rituelle Erzählform überführen, wie man sie verkörpern kann. Anziehungskräfte erzählt von Krieg, Flucht und sich zwei suchenden Leibenden.

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Kann ein armer Mensch gut handeln? Drei Götter kommen auf die Erde mit dem Auftrag, gute Menschen zu finden. Doch der einzige gute Mensch, den sie finden, ist eine Prostituierte. Mit dem Parabelstück "Der gute Mensch von Sezuan" von Bertolt Brecht setzt sich das Neuberin Ensemble mit den Themen Armut, Wohlstand, eigenes Handeln und dem "guten" Leben auseinander.

„ANAL.IZANDO“ ist das Emporheben des Anus – ein Zelebrieren des Anus, auf physischer wie auch nicht-physischer Ebene, als das nicht- binäre Element par excellence dieser Arbeit.

Ziel ist die Entwicklung und Präsentation eines Prototypen für die Nutzung von Augmented Reality im Performance-Bereich. In einem Team aus Performer*innen, Datenvisualisier*innen, Content- und Systems Designer*innen wird in einer Reihe von Workshops ein AR-Tool gestaltet, das sich für Proben und Live-Performances eignet, wo sowohl spontane Improvisation als auch Wiederholbarkeit gefragt sind.

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Wie verändern einschneidende persönliche oder kollektive Erfahrungen wie die Pandemie unser Empfinden, Denken, Handeln? Auf Basis bereits abgeschlossener Recherchen entwickeln wir mit "Land(e)scape . Expeditionen" eine Wander-Performance für kleine Publikumsgruppen, die sowohl mit live performten Anteilen als auch mit immersiven Audio-Zuspielungen via Funkkopfhörer und Fotografie arbeitet.

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Diese App und Webseite kann gefilmte Inhalte von Benutzer*innen (Bewegungen und Handlungen des Körpers) ortsbasiert mittels GPS über dessen Koordinaten auf der Erde verknüpfen. Diese sind in einem abrufbaren Archiv als Video-Sammlung und vor Ort, wo die Aufnahme getätigt wurde, als Augmented Reality einsehbar. Move simple.Be stupid. Play ingenious. Or not. people doing moves IN SPACE

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Bei einem Spaziergang, kommst Du an einer Kirche vorbei. Die Tür steht offen. Du schaust hinein, weil gerade die Zeit dazu reicht. Der Kirchenraum ist groß, leer und wenig beleuchtet. Das Licht fällt in schmalen Streifen durch die hohen Fenster. Die eigenen Schritte hallen. Du setzt Dich auf eine der leeren Kirchenbänke Du hast einen Moment Ruhe. Die Vorstellung beginnt.

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Ausgehend von meiner (durch die Pandemie gezwungenen) Erfahrung mit dem Frei-Luft-Spielen möchte ich eine Aerial-Straßentheater-Performance über die Liebe in der Corona-Zeit entwickeln. Die Performance wird die Geschichte eines clownesken Amors erzählen, der die Liebe zwischen den Menschen erzeugen will, aber auf viele neu Hindernisse stößt, und nicht weiß, wie er mit ihnen umgehen soll.

Live-Hörspiel-Performance auf Grundlage des ersten erhaltenen Funkdramas "SOS…rao rao… Foyn" von Friedrich Wolf (1929). Sechs Performer:innen begeben sich an einen Urmoment der Radiokunst: Das älteste deutsche Hörspiel, dass die Entstehung des Funks selbst als Medium globaler Verständigung feiert, wird befragt: „wie verhalten wir uns im und gegen den steten Stream aus Funk und Information?“

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theater.land nimmt die Inszenierung „STADT OHNE LIEBE“ (2021) in einem besonderen Ort wieder auf. Das ehemalige Filmtheater Friedensgrenze in Guben an der deutsch-polnischen Grenze ist ein idealer Ort für dieses dystopische Märchen von Lew Ustinow. Das Baudenkmal des sozialistischen Klassizismus stand 20 Jahre leer, theater.land setzt die Inszenierung hier ortsspezifisch um.

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Mit „GET LOCAL! – Theater der kurzen Wege“ soll eine Struktur für lokale, künstlerisch anspruchsvolle und möglichst CO2-neutrale Produktionen mit Kiezbewohner*innen im äußersten Südosten von Berlin entstehen. An dem Prozess sind das Schlossplatztheater (Köpenick) und das KAHO (ehem. Theater Karlshorst) beteiligt sowie ein Team aus Berliner Künstler*innen.

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