Premieren

Wie empfinden Kinder digitales Theater, wenn sie das “normale” Theater noch nicht richtig kennen? Welche Einflüsse haben die Erfahrung der Isolation und digitalen Interaktion auf sie als Zuschauende? Wie können ihre Wahrnehmung der Realität mit der virtuellen Welt verbunden werden? Eine Recherche nach einer neuen Form, einer neuen Erzählweise und einer neuen digitalen Dramaturgie im Kindertheater.

Die Afrikanische Diaspora beeinflusst und Prägt die Kulturelle Entwicklung seit jeher und trifft auch in Deutschland auf eine stetig wachsende Wahrnehmung im sogenannten Mainstream. Im Vordergrund steht die Frage nach Schwarzen Identitäten bzw. die Frage von Schwarzen Künstler*innen: Wer bin ich, wenn ich „anders“ bin, als das weiße Narrativ? Was bedeutet Schwarz „sein“ in der der Kunst?

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In einem Wohngebiet wird ein Platz 3 Tage lang zum Ort für einen öffentlichen Austausch der Bewohner*innen jeden Alters zur Frage: Wie stelle ICH mir eigentlich die Zukunft unserer Gesellschaft vor? Auf mehreren Miniaturbühnen werden parallel, humorvoll kurze Szenen gespielt, in die das Publikum in der Rolle der Zukunftsexpert*innen aufgefordert wird, einzugreifen und die Handlung mitzubestimmen.

KLITTERN (aesopica) entwirft anhand von Variationen der Fabel "Der Wolf und das Kitz als Musikanten", die dem antiken Dichter und Sklaven Aesop zugeschrieben wird, Figurationen von Widerstand. Die Übersetzung von politischen Handlungsweisen in theatrale Spielformen und Genre-Modelle ist mit dem Jury-Preis des Körber Studio Junge Regie 2022 ausgezeichnet worden und ist nun im Ballhaus Ost zu sehen.

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Kontemplativ-künstlerischer Prozess mit abschließender Performance im Heizhaus der Uferstudios. Die Choreograf*innen widmen sich dem Neu-Entdecken ihrer sozialen Lebens-Räume, von Innen-Räumen des eigenen Körpers über Theaterraum hin zu öffentlichem Raum. Die Frage danach, was da ist, öffnet Umgangsmöglichkeiten mit zunehmender gesellschaftlicher Verunsicherung sowie Banalitäten des Alltags.

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„Ich habe mit der Oma nie ein wirkliches Gespräch geführt weil ich immer Angst hatte, wir landen entweder bei Holocaustleugnung oder ich muss mir fünf Stunden lang ihre Gedichte anhören." – „Emilies Kleid" ist biografisches Theater mit gesellschaftlichem Anspruch, das den Versuch beschreibt die Verschwörungstheorien eines geliebten Menschen zu verstehen und einen Umgang damit zu finden.

Zur Analyse der Comfort-Zone-Paradoxien und der Schlafüberwachungsgesellschaft lädt Neco_Nart zur Sleep-Over-Party für alle Hypocrites and -criticals ein. Es wird gemeinsam gelogen und liegengeblieben, unsere Erschöpfung mit der der Erde geteilt, Musik aus Sexspielzeugrhythmen und Sleep-Apps kreiert, für alle Liegengeblieben gestreamt und am Ende trotzdem die Welt beim Betten machen gerettet.

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„Queens" bewegt sich zwischen Theater, Oper und Science-Fantasy und de-konstruiert auf kritisch-feministische Weise das von Friedrich Schiller dominierte Narrativ zu Maria Stuart. Vor dem Hintergrund einer multi-medialen Gesellschaft verhandeln die untoten Protagonistinnen Maria und Elisabeth noch einmal die Thronfolge und stellen sich den Geschlechts- und Herrschaftskonzepten von heute.

Tanztheater für alle ab 5 Jahren mit Live Musik Wie still können Schneeflocken sein? Wie still kann ein Eisberg sein? Wie still kann die Welt sein? Wie still kann das Chaos sein? Spielerisch, fantasievoll, provozierend, schneestöbernd, tobt die Stille durch den Raum. Konzentriert, gespannt auf das Neue. Stille für Kinder scheint ein Paradoxon zu sein. Doch die Stille ist bunt und vielfältig.

“What, where, when are we?!?!” is looking for cultures and histories connected through rhythms and dances. It will tell stories of colonial heritage and dissemination by exploring the rhythmicalities of different folkloric dances and music, and combine it with personal histories of displacement, migration, transnationality, and identity in present, past and future times.

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„How to island“ ist die Weiterentwicklung der Recherche „Dementia-happily ever after“ mit den Mitteln des neuen Zirkus & des Trickfilms. Ein Solostück über das Loslösen des Verstandes , das Weiterziehen der sich befreienden Gedanken und über den Verlust vermeintlich weiblicher Aufgabenfelder eines Lebens. Wo sind diese Frauen abgeblieben und wie können wir Ihnen helfen, glücklich „zu inseln“?

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Das Projekt „Encounters“ ist eine Regiearbeit von Anett Simmen im Genre des Neuen Zirkus. Es kombiniert Elemente des Lufttanz, der Akrobatik und des szenischen Spiels. Thematisch beschäftigt sich das Projekt mit Begegnungen, denn gerade durch die Pandemie hat sich die Art wie wir uns begegnen verändert. Dabei werden verschiede Ebenen der Begegnung durch unterschiedliche Stilmittel dargestellt.

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„Tridiculous“ ist ein internationales Künstlerkollektiv mit einem multidisziplinären Repertoire aus Artistik, Break- und Contemporary Dance, Slapstick, Comedy sowie Beatbox und Livemusik. Mit dem Projekt geht es darum sich vom Entertainmentprogramm zu entfernen. Hierfür beginnt, zusammen mit einem Theaterregisseur, ein intensives Research.

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Wo steht unser tänzerischer Körper? Was tun mit den umgebenden Elementen? Was baut den Tanz auf? Ein Forschungsprozess von Null bis zur choreografisch bearbeiteten Komposition soll einen Wachstumsprozess sichtbar machen. Von Mikro zu Makro wird durch hinzukommenden Sound, Musik, Material und neue räumliche Ebenen eine organische Entwicklung erlebbar.

Haushalt ist immer. Wer macht was? Wer nutzt Dinge, wer nutzt Menschen? Wo ist Haushalt Mythos? Wo ist er Struktur? Es ist Zeit, durch Fenster zu blicken. „und samstags staubsaugen“ befragt, auf Basis von Interviews, die Selbstverständlichkeit der Haushaltspflege mit Mitteln des Theaters der Dinge. So werden Perspektiven auf Care-Arbeit, Haushaltsgeräte und Rollenbilder sichtbar gemacht.

„The Run: Refugee Rave“ ist eine Bewegungstheater-Performance mit acht Schauspieler*innen aus der Ukraine, Russland, Italien und Rumänien, in der das aktuelle Thema des Flüchtlingsdaseins künstlerisch aufgearbeitet wird. „The Run“ untersucht dabei durch Bewegung, gesprochenes Wort, Choreografie, Musik und Bühne, wie Körper und Geist vom Krieg betroffen sind, was ist der Flüchtlingskörper?

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Das Projekt „Dat Leven vun de Liven" stellt anhand der Geschichte der Liven - einem Künstvolk aus Lettland, dessen Sprache bereits fast ausgestorben ist - unsentimental und nicht ideologisch Fragen nach dem Kern von Sprache und Kultur, ihrer Bedeutung für gesellschaftliche und individuelle Identität: Zwischen hoch- und plattdeutsch, zwischen Volkstheater und freier Szene. Wem gehört eine Kultur?

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Inspiriert von Brecht & Eisler erforscht, (de)konstruiert und komponiert das Ensemble neue Fotoepigrammen, die den Krieg in 2022 beschreiben. Wie geht man um mit dem tragbaren Krieg in der Hosentasche? Aus Songs und schauspielerisch-verfremdeten Social-Media-Kommentaren soll ein aktueller Blick auf den modernen Umgang mit digitaler Kriegsberichterstattung entstehen, eine „Kriegsfibel re:loaded".

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In 3 Phasen untersuchen der aus Ghana stammende Felix Dompreh und Lola Agostini (IT) gemeinsam mit 5 afrikanischstämmigen Tänzer*innen die aus Kulturen erwachsenen Tanzsprachen. In Phase 1 forscht ein*e Jede*r von ihnen in seinem*ihrem eigenen Studio. Ihr Austausch findet digital statt. In Phase 2 treffen sie sich analog. Zur finalen Präsentation ihrer Arbeitsergebnisse ist das Publikum eingeladen

„AMAZONEN" ist eine Hommage an Schauspielerinnen 70+. Zwei aktive und eine Schauspielerin im Ruhestand treffen sich in einer (fiktiven) Inszenierung von Kleists „Penthesilea". Dort begegnen sie einer jungen Kollegin und geraten in Widerstreit über Ästhetiken, Formen und Stile, die sie selbst mitgeprägt und vorbereitet haben. Ein Plädoyer gegen das Verschwinden und für den Dialog der Generationen.

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„A→B“ ist ein Projekt über die Verbindung zwischen ruralen und urbanen Räumen. Am Bahnhof Burg in Dithmarschen steht eine Modellbaulandschaft: Mit Eisenbahn, Autos, Flugzeug, Wurmlöchern, Rabbitholes, Falltüren. Rund um diese kleine Welt versammeln wir uns und fragen: Wie stellen sich Leute die Zukunft von Mobilität vor? Gäste aus der Stadt reisen an und wir feiern neue Verbindungen.

Der installative Theaterabend „Bo Burnham vs. Jeff Bezos“ ist das glorifizierte Scheitern an der Übersetzung einer digitalen Performance in den analogen Raum. Die Arbeit experimentiert mit Dekodierung unbewusster Verhaltensweisen in digitalen Kontexten und versucht analoge Kontexte zu schaffen, um diese zu spiegeln.

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In diesem Bewegungs-und Textilrecycling Projekt erzählt ein bühnengroßes Textil die Geschichte von Überfluss und Entbehrung. Gebaut aus dem Material, das auf der Erde liegt, sich in Kisten auf den Berliner Straßen sammelt. Hier kristallisieren sich einzelne Szenen, Fehlkäufe und Tragödien heraus und lassen die ganze große Geschichte des Kapitalismus in einer Kreislaufutopie untergehen.

“Songs of Attunement“is a three-month research period intended to explore sung expressions of mourning, grief, and loss. Songs of Attunement embraces and disrupts tradition by fusing ancient cultural forms drawn from Georgian and Corsican laments, as well as relying on new, experimental electronic techniques of composition and presentation.